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| Por Carlos García Moreno
Todos sabemos que la principal
regla para intentar hacer reír con algún tipo de chiste es jamás contarlo dos
veces a la misma persona, o de lo contrario, la gracia quedará anulada. Y sí,
aunque esto suene como un razonamiento lógico que sobra decir, es algo que la
industria cinematográfica estadounidense aún no ha podido entender al momento
de realizar la gran mayoría de sus comedias y exhibirlas al público, repitiendo
una fórmula que generalmente suele resultar más absurda que chistosa debido a
la falta de ideas creativas para establecer un guion, o por el simple motivo de
no querer ir en contra de los pensamientos de una sociedad sumergida cada vez más
en aquello que llaman “corrección política”.
Sin embargo, para la fortuna
de los espectadores, nunca faltarán las personas que se dediquen a buscar
nuevos planteamientos para sus historias sin que las cuestiones de tinte político,
social o personal impidan expresar el propósito que nos reúne y para el que fue
creado el apartado de la comedia, el cual, es entretener ridiculizando nuestros
defectos y situaciones de la vida cotidiana, así como los diversos elementos culturales,
raciales o de género que nos asemejan en el entorno de una sociedad.
A partir de este paradigma
nace Buenos Vecinos, película protagonizada
por Seth Rogen y Zac Efron, cuyas pretensiones no son más
que las de hacernos reír mediante una propuesta de suma originalidad,
alejándose del estereotipado que ha marcado en los últimos años a la comedia
cinematográfica del país de las barras y las estrellas.
Neighbors se centra
en Mac y Kelly, una pareja de treintañeros que recién
compraron una casa para vivir en las afueras de la ciudad con su pequeña hija. A pesar de su
prodigiosa vida familiar, la joven pareja ha perdido el sentido de la diversión
a causa de la etapa de adultez en la que ambos se encuentran, pero sus vidas
cambian repentinamente cuando descubren que los miembros de una fraternidad se
han mudado a la casa de junto. Con el propósito de no enemistarse con sus
nuevos vecinos, Mac y Kelly deciden entablar una buena relación con Teddy –el
carismático líder de la fraternidad–, pidiéndole el favor de no hacer demasiado
ruido por las noches. Teddy acepta la petición de los padres con la condición
de que ellos cumplan con la promesa de nunca llamar a la policía; pero cuando
Mac se retracta de su palabra debido a una estruendosa fiesta y avisa a las
autoridades, surge una despiadada guerra que hará la vida imposible a cada
bando para que solo uno se vaya del vecindario.
Es evidente que gran parte del
excelente funcionamiento del filme se debe a dos puntos importantes.
Primeramente, porque el guion de los debutantes Andrew J. Cohen y Brendan O’Brien
construye –bajo la dirección de Nicholas
Stoller– incontables chistes, gags, referencias –mención a la fiesta
temática de Robert De Niro– y diálogos
sumamente divertidos e inteligentes que van desde lo simpático hasta lo gamberro,
complementándose en una historia acerca de los choques generacionales entre la
juventud y la madurez. Asimismo, el desarrollo de los personajes es
sobresaliente, lo cual significa que el argumento no se limita a tratarlos
únicamente de manera superficial, sino que consigue profundizar en sus vicios y
debilidades para que la audiencia pueda identificarse con ellos y así entender las
motivaciones de cada uno de los lados.
En el segundo punto destacan
las buenas interpretaciones que ofrece el elenco de la película, siendo Zac Efron la sorpresa más afortunada al
quitarse la faceta de Disney y entregarnos una de las actuaciones más
interesantes de toda su carrera; sin olvidarnos también de la siempre cumplida Rose Byrne, ni mucho menos de Dave Franco, quien ha aumentado su talento como actor desde su
aparición en Comando Especial (2012)
junto a Jonah Hill y Channing Tatum.
Conforme al protagonista, el
papel recae sobre las manos de Seth
Rogen, conocido por tener mayores detractores que amantes de su sarcástica
comedia. No obstante, el intérprete se mantiene a flote y realiza un papel particularmente
decente si lo comparamos con sus nefastas participaciones en otros filmes. Sí, es
cierto que está el típico humor absurdo que tiende a utilizar, pero nada que
pueda hacer para opacar en lo mínimo la calidad cómica que posee la cinta.
Por otra parte, el trabajo
técnico es bastante logrado pese a su bajo presupuesto, conteniendo modestos
efectos de producción y un distinguido soundtrack
que ayudan a que el ritmo se torne emocionante con las épicas fiestas
realizadas por la fraternidad.
Al final, Buenos Vecinos promete todos los
recursos para que la audiencia pueda reírse en más de una ocasión con las divertidas
ocurrencias de los personajes que aparecen en pantalla, aunque es posible que
los chistes funcionen mejor para quienes tengan algunas referencias previas sobre
la cultura popular moderna. De todas maneras, eso no quita que la película sea una
satisfactoria comedia hilarante, con un argumento atractivo y original que
podrá disfrutar hasta el espectador más exigente…
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Título original: Neighbors
Director: Nicholas Stoller
Actores: Seth Rogen, Zac Efron, Rose Byrne, Dave Franco
Guion: Andrew J. Cohen, Brendan O’Brien
Fotografía: Brandon Trost
Música: Michael Andrews
Género: Comedia
Año: 2014
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 |
| Por Jolie E. López
Bajo
La Misma Estrella es la adaptación cinematográfica de la
novela best-seller escrita por Johnn
Green, cuya trama se centra en Hazel Grace, una chica adolescente
diagnosticada con cáncer que ha tenido que vivir obligada desde los 13 años a
llevar consigo un tanque de oxígeno a cualquier lado que vaya, mientras espera que la droga experimental que la ha mantenido con vida durante varios años deje de funcionar. Su madre, con la
intención de darle una vida normal, la convence de asistir a un grupo de apoyo
para personas que padecen dicha enfermedad, por lo que Hazel acepta únicamente
para complacerla. En ese lugar conoce a Augustus Waters, con quien logra
entablar una relación en la que buscarán ir más allá de sus enfermedades,
abriendo un nuevo capítulo para sus vidas.
Hemos de recordar que, en su
forma literaria, Bajo La Misma Estrella
ha tenido una gran recepción desde su publicación en el 2012, debido a que la
historia fue presentada en forma fresca e innovadora al incluir una narrativa digerible
a pesar de tratar ciertos temas sombríos y complicados, sin el ánimo de querer conseguir
un propósito lacrimógeno. Por lo tanto, al igual que John Green establece al inicio de su obra que “Este no es un libro
sobre el cáncer”, podemos decir que la temática de la película tampoco se
centra en los problemas que conlleva la enfermedad, sino que hace hincapié a
los cuestionamientos de la vida que cualquier persona se ha hecho en algún
momento de su juventud, tal es el caso del temor al olvido, el abandono, la
tragedia, la dependencia, la incapacidad o la muerte; planteamientos que aumentan
los miedos de los personajes no sólo por el hecho de preguntarse qué podría
ocurrirles, más bien, por el sufrimiento que también podrían causar a terceros.
Claro está que, lo anterior,
no es motivo para que los temas tratados nos sobresaturen de emociones melodramáticas,
ya que el filme mantiene un equilibrio exacto entre comedia, drama y romance; por
lo que, en otras palabras, Bajo La Misma
Estrella nos toca el corazón mediante reflexiones y pensamientos en común sobre
la complejidad de la vida, y no simplemente por tener el objetivo de hacernos
llorar.
Por otra parte, es necesario
resaltar que tanto el libro como la película están dirigidos hacia un público joven
y, en la mayoría de los casos, femenil, siendo éste el sector más beneficiado
por ser relatado desde la perspectiva de una mujer, provocando que la expectativa
de ver la adaptación en pantalla grande sea mayor por parte de la respuesta de
esta audiencia, que sobre lo que realmente nos puede ofrecer Bajo La Misma Estrella.
Asimismo, a causa de ser una
adaptación tan esperada por un público específico, se temía que la elección del
reparto no fuera la más adecuada, pero afortunadamente, el casting consigue hacerle
justicia a los personajes debido a que los actores se adentraron perfectamente en
la psicología de los personajes. Es así que tenemos a Shailene Woodley ofreciendo una actuación formidable en el papel de Hazel,
al tiempo que armoniza una química notable con su co-protagonista Ansel Elgort, quien da vida a Augustus.
Cabe mencionar que estos últimos interpretan a sus protagónicos como anillo al
dedo, haciéndolo de una forma natural y carismática.
Dentro de los personajes
secundarios, encontramos a Frannie (madre de Hazel) e Isaac quienes son
representados por Laura Dern y Nat Wolff respectivamente, logrando
aumentar la contraparte divertida y conmovedora de la historia: la primera por
ser una madre protectora que sufre las vivencias de su hija, y el segundo por
ser un amigo fiel e incondicional. No obstante, en el caso de Willem Dafoe, aunque su participación es
igualmente acertada en encarnar al egocéntrico autor del libro de Hazel, Peter
Van Houten, el guion no permite añadirle el peso necesario para conciliar las enseñanzas
filosóficas que, a través de cartas, es donde radica la razón del título del
libro.
En cuanto al resto del
guion, la película no sufre de cambios importantes conforme al libreto original
en su traslación al terreno del cine, conservando su autenticidad en una sola
entrega sin la necesidad de dividir la historia como se ha acostumbrado recientemente en el ámbito comercial, lo
que complacerá y agradecerán los seguidores más fieles de la novela por respetar
la esencia de John Green.
Sin embargo, aunque Bajo La Misma Estrella no contenga
errores de fidelidad, no quiere decir que esté exenta en cuestiones de
argumento, ya que estas fallas se generan desde el impreso al incluir altos y
bajos que, en el filme, pudieron haber sido corregidos y mejorados para no caer
en el llamado cliché.
Al final, la adaptación de Bajo La Misma Estrella cumple con una
historia que mantiene su postura
fidedigna y redonda en la naturaleza de la misma, y que logrará cautivar
satisfactoriamente tanto la demanda de los fans, como también la del público en
general. ¿OK?...
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Título original: The Fault in Our Stars
Director: Josh Boone
Actores: Shailene Woodley, Ansel Elgort, Laura Dern, Natt
Wolff
Guion: Scott Neustadter, Michael H.
Weber, John Green
Fotografía: Ben Richardson
Música: Mike Mogis,
Nate Walcott
Género: Drama, Romance,
Comedia
Año: 2014
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 |
| Por Carlos García Moreno
Hace varios años que no veíamos
a Kevin Costner en el papel protagónico
de alguna película, y es que, a pesar de conseguir altos y bajos en sus últimos
trabajos con roles secundarios, la cierto es que no habíamos tenido la
oportunidad de ver únicamente al actor hacer de nuevo lo que mejor sabe:
actuar. Y sí, tenemos que hacer mención a esto porque, si tomamos en cuenta lo que
3 Días Para Matar tenía para
ofrecernos en otras manos, sin la presencia de Kevin Costner, la película hubiera conseguido un resultado
terriblemente malo. Tanto así es que, con toda certeza, podemos afirmar que lo
único que rescata a la nueva película del director McG, es meramente la interpretación del actor principal.
3
Días Para Matar es la historia de Ethan Runner, un agente veterano
de la CIA que, tras haberse retirado a causa de la enfermedad terminal que padece,
comienza a buscar a su familia con la finalidad de pasar más tiempo con su hija
antes de que él muera, y a la vez, pueda fortalecer la relación que tiene con
ella; algo que desafortunadamente nunca pudo conseguir debido a su trabajo. No obstante,
en el momento menos indicado, Ethan volverá a ser contratado por una misteriosa
mujer (Amber Heard) para realizar
una última misión, ofreciéndole como pago una droga experimental que le
permitirá prolongar su vida si logra tener éxito en el encargo.
Es aquí cuando el guion se
revuelve para confundirnos al momento de visualizar 3 Days to Kill ya que, después de presenciar los primeros 10
minutos introductorios con disparos de armas de fuego y explosiones, la trama va
cambiando radicalmente conforme avanza la cinta, resultando una extraña mezcla de
géneros que en ocasiones parece un drama familiar con comedia, y en algunas otras,
una película de acción pura. Asimismo, si observamos cuidadosamente el tráiler
de promoción de dicho filme, el producto se nos vende nada más y nada menos que
como una mera cinta de acción, lo que sin duda pondrá a más de un espectador a dudar
y cuestionarse sobre lo que se está exhibiendo en pantalla.
Por otra parte, la película
contiene algunas otras fallas sin contar el problema mencionado del guion: desde las cortas y escasas apariciones de Amber Heard, hasta las secuencias
de persecuciones que rayan en lo absurdo por lo mal coreografiadas y poco
realistas que están.
Sin embargo, no todos son comentarios
negativos para la película de McG, a
pesar de no definir una línea argumental de seguimiento narrativo. La comedia es
uno de los puntos a favor que más funcionan dentro de la entrega, pues no es
común ver a Kevin Costner portándose
sumamente badass en su trabajo y, al
mismo tiempo, tratando de lidiar con problemas de adolescentes que su hija
conlleva. Además, el guion cuenta con ciertas situaciones en la historia –mayoritariamente
a partir de la segunda mitad– que nos darán una buena dosis de entretenimiento,
permitiéndonos así llegar hasta el final.
En conclusión, aunque 3 Días Para Matar incluye los defectos
señalados y la trama no termina por decidirse si es X o Y, el filme consigue salir adelante
debido a los eficaces momentos de diversión que contiene, pero puede también sea considerada una “decepción”
para algunos sectores de la audiencia que esperaban una película con únicamente
acción, y no un raro experimento de géneros que sólo se logra salvar por la
interpretación de Kevin Costner…
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Título original: 3 Days to Kill
Director: McG
Actores: Kevin Costner, Amber
Heard, Hailee Steinfeld, Connie Nielsen
Guion: Luc Besson, Adi
Hasak
Fotografía: Thierry Arbogast
Música: Guillaume
Roussel
Género: Drama, Comedia,
Acción
Año: 2014
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 |
| Por Carlos García Moreno
Sin
duda, los 30 millones de dólares recaudados en EE.UU. (sin contar lo que sume
en México); el reparto que incluye al mismo Eugenio Derbez, Karla Souza,
Alessandra Rosaldo, y al conocido
comediante, Sammy Pérez, entre
otros; y la publicidad que le han hecho los medios de comunicación junto con la
enorme campaña viral; son elementos que de alguna manera obligan a pagar una
entrada para ver una película de este tipo.
La
trama es simple: la historia narra la vida de Valentín, un mujeriego residente
de Acapulco, en el que un día sorpresivamente tiene que hacerse cargo de su
pequeña hija a la que no conocía, esto por una aventura ocasional. Cuando
decide devolver a su hija con su madre a Los Angeles, los momentos de vivir con
la niña lo hacen cambiar de parecer para quedarse con ella.
Una
de las preguntas con mayor frecuencia que giran alrededor de esta cinta, es si
la cuantiosa recepción que ha tenido en taquilla se refleja también en el
contenido de la misma. Es cierto que la película cuenta con valores de
producción; gags bien realizados; humor blanco (algo raro en las películas
mexicanas); y actuaciones hasta cierto punto “creíbles”, teniendo mucha química
entre los intérpretes de papá/hija, esto sin contar que Eugenio Derbez, por más que quiera actuar serio, con tan sólo ver
su cara ya es un poco risible. Como dato curioso, cabe mencionar el corto papel
de Alessandra Rosaldo (ya me dirán
ustedes si miento), sin olvidar también al resto del elenco, Daniel Raymont y Jessica Lindsey, así como al mismísimo ‘Sammy’, quien llega a darle toques de humor a la trama debido a su
peculiar personalidad.
Pero
volviendo al tema… ¿Qué tiene de especial para que haya generado tanto éxito en
Norteamérica, si el humor mexicano no tiende a gustar en los gringos?
Recordemos que éxito no es igual a calidad. Como respuesta hay que aclarar dos
cosas:
1.
La gran cantidad de mexicanos que viven en el extranjero, y la “colonización”
que se ha hecho en el sur de Estados Unidos por parte de los demás países que
conforman América Latina.
2.
La fórmula, el reconocimiento y la fuerza mediática que posee Eugenio Derbez para atraer en la
comedia.
Esto
porque, en realidad, la película contiene diversas fallas en las que una vez
más se encuentra el guion, el cual, es excesivamente artificioso hasta llegar a un punto de caer en lo meloso.
Además, no se está tomando en cuenta las reiteradas ocasiones que se han hecho
historias muy parecidas (y mejores) contando la relación padre-hijo(a), entre
las que podemos encontrar a Kramer vs.
Kramer (1979), La Vida es Bella
(1997), I Am Sam (2001) o The Pursuit of Happyness (2006); incluso
hasta otras no muy logradas por mencionar, como la protagonizada por su amigo Adam Sandler, Big Daddy (1999).
Finalmente,
la ópera prima de Eugenio Derbez no
es la gran revelación del año, ni tampoco algo que vaya a trascender como lo
venían diciendo los medios, pero lo que sí es que al menos cumple en su
prometido: hacer una historia entretenida, para el público en general, con buen
humor, y para pasar un rato agradable… no más.
De
ahí podríamos decir que, aun tomando en cuenta la larga trayectoria en
televisión del comediante mexicano, estamos ante una persona que ha sabido
abrirse paso en la tan complicada industria estadounidense y que apenas
comienza dentro del ámbito cinematográfico, teniendo mucho por aprender en una
carrera (sí, carrera) por delante que, esperemos, se le presente en Hollywood a
partir de esta película.
No
obstante que para ser una primera vez, por supuesto que no está nada mal. Y
sinceramente ¿hay alguien que no le guste Eugenio
Derbez?...
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Título original: Intructions Not Included
Director: Eugenio Derbez
Actores:
Guion:
Fotografía:
Música:
Género: Comedia, Drama
Año: 2013
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| Por Carlos García Moreno
Entre
constantes repeticiones en las que han caído los géneros del cine mexicano (el
reiterado uso de la idiosincrasia mexicana y el contexto político, económico o
social como temas principales), a estas alturas, cualquier película que centre
completamente la atención en los sentimientos de los personajes que maneja y
deje a un lado los errores que sufre el cine nacional, es normal que se valore
muchísimo algo como la adaptación de la elogiada obra de teatro del mismo
nombre; aun cuando nos pueda ser tan familiar lo visto en Sexo, Pudor y Lágrimas (1999), o en su caso, Carnage (2011) de Roman
Polanski.
Prácticamente,
la historia relata la vida de 6 personas que viven en un edificio y los
problemas que surgen a partir de la llegada del nuevo vecino, al tiempo que se
van desarrollando diversos temas como la infidelidad, la identidad de género,
la religión, la depresión, la mentira, la fuerza mediática, la aceptación, la
búsqueda de los sueños y el encuentro con uno mismo; así como también
cuestiones básicas pero no menos importantes como la amistad y el amor.
Asimismo, los métodos utilizados en el teatro nos presentan en esta película un
gran avance dentro del cine mexicano.
Analizando
cuestiones más técnicas, el guion es bastante complejo: los personajes están
bien escritos, tienen buenos diálogos, y, aunque en ocasiones las líneas se
sientan un poco exageradas precisamente por utilizar referencias de teatro, con
excepción de escasos minutos en las secuencias podríamos decir que no tiene
partes sobrantes.
Sin
duda, una de las cosas más destacables de la película es el montaje; debido a
que todo sucede en un mismo lugar, el recorte de escenas en la edición hace que
las secuencias no se vuelvan cansadas o tediosas.
Por
otro lado, el reparto es bueno y variado, siendo Luis Gerardo Méndez quien ofrece por demás una gran interpretación
(ya verán el porqué), demostrando ser uno de los mejores actores mexicanos en
la actualidad, y en el que además logra no ser una copia de su papel más
conocido, Javi Noble, de la exitosa entrega de Gary Alazraki: Nosotros Los
Nobles (2013).
En
cuanto a la producción, si algo hay algo que puede caracterizar al cine
mexicano es la detallada elección de los temas para el soundtrack, el cual, su
diversa combinación lo hacen de nueva cuenta de lo más sobresaliente del
largometraje, siendo el caso del tema principal interpretado por Javier Blake y Natalia Lafourcade, “Cuenta Hasta Diez”, en el que se retrata de
forma adecuada las emociones que viven cada uno de los personajes, al mismo
tiempo que sirve de fondo para representar la trama.
En
síntesis, la ópera prima creada y dirigida por Manolo Caro, y protagonizada por Luis Gerardo Méndez, Zuria
Vega, Ludwika Paleta, Luis Ernesto Franco y Raúl Méndez, expone al más puro estilo
del teatro, la transformación que sufren los personajes a partir de los cambios
que se pueden generar por la alteración de un simple momento, demostrando lo
ambivalente y compleja que puede ser la vida: los valores, los errores, las
virtudes, los defectos, la fortuna, la desgracia, y un sinfín de temas que
podremos encontrar al ver una de las mejores opciones para la filmografía de
México en estos últimos años...
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 |
| Por Carlos García Moreno
En
la primera parte de esta entrega realizada por Illumination Entertaiment, nos
presentan a Gru: un super-villano que con la ayuda de sus carismáticos
secuaces, los Minions, intenta hacer el máximo robo en la historia de la
humanidad. Al mismo tiempo, en esa historia nos van contando la transición
inconsciente de Gru, es decir, el paso radical de “malo a bueno”, algo parecido
a lo visto en Ralph El Demoledor (2012).
Una
vez transformado Gru al lado bueno, la historia de Mi Villano Favorito 2 se vuelve más sencilla y menos compleja:
cuando Gru disfruta de su vida como hombre de familia al hacerse cargo de sus
hijas, una organización secreta dedicada a la lucha contra el mal lo busca para
que él, con ayuda de los Minions, se encargue de descifrar y encontrar quién es
el responsable de un espectacular robo que conlleva una amenaza mundial y,
asimismo, entregarlo ante la justicia.
A
simple vista, es probable que se preste a entender que esta película es menor a
la anterior por ser una historia más “simple”; sin embargo no sucede así. El
filme demuestra que camina por sí sólo y cumple al entregarnos una historia de
igual o mejor calidad que su predecesora, dejándonos como resultado una secuela
muy divertida y entretenida, con más humor que en la primera parte gracias a la
inocencia e ingeniosa personalidad de los encantadores Minions; los cuales, por
cierto, protagonizan una escena que muy parecida a la de una película reciente
de apocalipsis... ¿coincidencia?
A
esto también se unen nuevos personajes, en el que destaca el divertido villano
interpretado por Alejandro Fernández
que, para ser su primera oportunidad dentro de este ámbito, lo hace bastante
bien. Caso contrario sucede con el doblaje de “Lucy”, que si bien el personaje
no falla, hubo un error de casting al elegir a Andrea Legarreta para doblar la voz, ya que su inclusión no
sobresale por la notoriedad que le agrega mucho de sí misma a su
interpretación, por lo que el humor de “Lucy” termina por sentirse algo vacío y
de relleno, quedando por debajo de los demás personajes. De todas maneras, la
película está muy bien hecha como para que este punto en contra le pueda
afectar en algo, quedando así en segundo plano. Y por el otro lado, Andrés Bustamante hace de nuevo una
gran interpretación como Gru.
En
el apartado técnico, la ejecución visual mejora conforme al de la cinta
original; y la música/soundtrack de Pharrell
Williams vuelve a ser de primera.
En
suma, estamos ante una secuela muy buena y entretenida, que cuenta con grandes
dosis de humor y gags más disparatados que en la primera parte, esto debido al
alto protagonismo que se les otorga a los Minions en pantalla. La cuestión
sobre si es o no mejor que su predecesora recaerá sobre los gustos de cada
quien. Por mi parte, me atrevo a decir que esta segunda entrega me parece aún
mejor que la película original, sin embargo, habrá quienes se opongan ante esta
afirmación.
Ante
todo, Illumination Entertaiment demuestra una vez más que Pixar no es el único
estudio capaz para hacer filmes animados de gran calidad, la competencia se ha
vuelto mejor desde hace algunos años creciendo cada vez más, y, Mi Villano Favorito 2 es una prueba muy
grande de eso…
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 |
| Por Carlos García Moreno
Les
explico. Si algo puede caracterizar a las películas de Pixar es la originalidad
de sus historias, al mismo tiempo que las mismas abarcan temas como los valores
personales. En el caso de Cars 2 (2011)
y Valiente (2012) no sucedió esto
debido a la simpleza con la que tocan sus temas principales, cuando
anteriormente Pixar ha realizado historias de mayor complejidad y contenido
profundo. Precisamente, en la premiación de este año que llevó a cabo la
Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de EE.UU, hubo una gran
controversia debido a que la cinta de Valiente
ganó dicho premio en la categoría de "Mejor Película de
Animación", cuando en realidad, la gran merecedora debió ser Ralph El Demoledor (2012). Inclusive,
cualquiera de las demás contendientes, merecía más ese premio que la nombrada
“ganadora” (por eso siempre he mantenido la postura que los Oscars nunca hacen,
ni harán justicia).
Ahora,
pretendiendo volver a lo que los llevó a la cima, Pixar entrega la precuela de
una de sus mejores referentes, en la que nos cuentan cómo fue el comienzo de
una de las grandes amistades del cine.
La
trama nos regresa en el tiempo cuando Mike Wazowski es aceptado en la Monsters
University, pretendiendo cumplir su sueño de ser un asustador. Sin embargo,
ciertas circunstancias provocarán que a Mike se le dificulte realizar su sueño
cuando este conoce a su compañero de clase James P. Sullivan: el mejor
candidato para ser un verdadero asustador; por lo que trae como consecuencia
una rivalidad entre ellos.
Antes
que nada he de confesar algo: de esta película yo no me he esperaba nada,
precisamente porque sabía que el motivo principal y la urgencia de los estudios
Pixar era quitarse la mala racha y espina de lo que ya mencioné, es más, ni
siquiera me tomé el tiempo de ver algún trailer de la misma (y eso que hubo
bastantes).
Resumiendo,
la película me sorprendió mucho. Un tema del cual no había prácticamente nada
que explotar, lo logran convertir en una gran y completa historia, cuando la
realidad es que era muy difícil que gustara esta precuela debido a que todos
pedíamos y queríamos ver su secuela desde hace un tiempo, bueno… aún seguimos
ansiosos.
En
términos generales, la película habla a grandes rasgos sobre lo que es la
marginación social en la escuela, el bullying, la falta de valores personales,
la búsqueda de adaptación y aceptación, la amistad, entre otras cosas; y la
verdad es que termina haciéndolo mucho mejor que otras que han estado dedicadas
específicamente a eso.
En
otras cuestiones, tanto el trabajo de doblaje de los protagónicos Andrés Bustamante y Víctor Trujillo –Mike y Sulley
respectivamente– bajo la estupenda dirección de Mario Castañeda, así como los valores de producción, manufactura,
el diseño de animación, los gags y la música de Randy Newman, todo está muy bien cuidado y realizado.
En
resumen, Monsters University es una
muy buena entrega que, junto con la primera parte, la coloca a mí parecer como
la historia más original de toda la filmografía de Pixar, logrando posicionar a
los estudios nuevamente en su lugar. Y aunque su lanzamiento parezca una
técnica de marketing para ganar más dinero al aplazar su secuela, el producto
no deja de ser una historia divertida, emotiva y redonda, con precedentes que
nos permitirán comprender los sucesos de la primera parte. Además, cabe
destacar que antes del comienzo de la película se exhibe el cortometraje Azu-Lado (y no, no es spoiler), lo que
la viene a complementar en la contienda contra los estudios de Disney.
El
año pasado, tras muchos intentos fallidos, Disney Animation Studios le ganó a
Pixar con Ralph El Demoledor y el
cortometraje Paperman. Pero este año,
de nueva cuenta, Disney la vuelve a tener difícil...
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Título original: Monsters
University
Director: Dan Scanlon
Actores: Andrés Bustamante,
Víctor Trujillo, Moisés Palacios, Carlos del Campo
Guion: Dan Scanlon,
Daniel Gerson, Robert L. Baird
Fotografía: Ricky Nierva
Música: Randy Newman
Género: Animación,
Aventura, Comedia
Año: 2013
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